古典主義（こてんしゅぎ、Classicism）とは、古代ギリシア・ローマの芸術や思想を規範とし、均衡・調和・明晰・比例・節度といった原理を重んじる美学・思想の傾向を指します。中世末のルネサンス以来、ヨーロッパ文化は繰り返し古代へ立ち返り、「自然と理性に適う普遍の美」を求めてきました。絵画・彫刻・建築・文学・演劇・音楽・教育に至るまで、古典主義は方法（作法）と理想（理念）の二つの側面で規範を与え、時代ごとに〈復興（ルネサンス）〉〈洗練（17世紀フランス古典主義）〉〈再古典化（18世紀ネオクラシシズム）〉〈秩序への回帰（20世紀のネオクラシシズム）〉として再来しました。古典主義は単なる様式模倣ではなく、「人間の理性と公共性」を信頼する態度でもあり、他方で規範偏重や多様性の抑圧を招く限界も抱えます。本稿では、成立と展開、原理とジャンル別の特徴、対抗潮流との関係、そして現代的意義を、できるだけ平易に整理して解説します。
起源と歴史的展開――古代への回帰が織りなす反復の物語
古典主義の「古典」とは、ラテン語のclassicus（最上等の、市民の第一階級）に由来し、模範とみなされる作品・語法・規矩のことです。根幹はアリストテレス『詩学』やホラティウス『詩論』にある「模倣（ミメーシス）」「デコルム（ふさわしさ）」「均衡（シンメトリア）」といった概念です。これらは中世でも学問の伝統に残りましたが、本格的に前景化するのは14〜16世紀のルネサンスです。人文主義者が古典語文献の校訂・翻訳を進め、建築ではアルベルティやパッラーディオが比例とオーダー（円柱系統）に基づく設計論を整え、文学では模範としてのラテン詩と雄弁術が復権しました。
17世紀のフランスで、古典主義は国家的文化政策のもとに洗練されます。ルイ14世期、アカデミー（語学・絵画・建築・科学）が規範を確立し、文芸ではボワローが『詩法』で「明晰・理性・節度」を歌い上げました。悲劇のラシーヌやコルネイユは、アリストテレス解釈に基づく「三一致の法則」（時間・場所・筋の一致）を重視し、情念を抑制して高貴な言語で普遍的人間像を描きます。建築・庭園ではヴェルサイユが象徴で、軸線・左右対称・遠近のコントロールによって「秩序ある自然」を演出しました。
18世紀後半、古代遺跡の発掘（ヘルクラネウム・ポンペイ）や啓蒙思想に刺激され、ヨーロッパはネオクラシシズム（新古典主義）の大波を迎えます。ジャック＝ルイ・ダヴィッドの歴史画（『ホラティウス兄弟の誓い』）は市民徳と節度を掲げ、彫刻ではカノーヴァが理想美を大理石に結晶させました。建築は連邦期アメリカの連邦様式、英国・ドイツ・ロシアの公的建築に広がり、議院・博物館・銀行など公共空間の「顔」を造形します。音楽でも「古典派」と呼ばれるハイドン・モーツァルト・初期ベートーヴェンが、明快な形式（ソナタ形式）と調和的対話を確立しました。
19世紀前半、ロマン主義が感情・個性・歴史意識を前景化することで古典主義は守勢に回りますが、アカデミズムとして美術教育の基礎に残り続けます。20世紀に入ると、第一次世界大戦後の混乱から「ラペル・ア・ロルド（秩序への回帰）」が唱えられ、ストラヴィンスキーの音楽、ピカソの新古典主義期、ル・コルビュジエの比例と幾何学の建築など、様式を超えた〈新たな古典性〉が追求されました。古典主義は、革新の果ての「規範再建」として周期的に現れるのです。
原理とジャンル別の特徴――均衡・明晰・比例・節度の具体相
古典主義の核となる原理は、おおむね次のようにまとめられます。第一に〈均衡と調和〉です。対称性、明確な構図、過度な装飾の抑制により、全体の統一感を優先します。第二に〈明晰と理性〉です。曖昧さや恣意を避け、言葉・形・音を「分かりやすく」整理します。第三に〈比例と尺度〉です。人間身体や幾何学にもとづく比例体系を重視し、各部分を全体に適合させます。第四に〈デコルム（ふさわしさ）〉です。主題・場・受け手に応じて様式・語り口・表現の強度を選び、節度（メスリュール）を守ります。
絵画・彫刻では、輪郭線の重視、明確な光源、抑制された色彩（しばしば冷たい色調）と理想化された人体が特徴です。歴史画や神話画がジャンルの頂点とされ、劇的瞬間を選びつつも激情に溺れず、倫理的メッセージを帯びます。ダヴィッドやアングルは、線の純度と構図の幾何学性で規範となりました。彫刻のカノーヴァは、滑らかな肌理と均整で「静かな高貴さ」を体現します。
建築は、柱式（ドーリス・イオニア・コリント）とエンタブラチュア、ペディメント、明快な比例と軸線、対称性の徹底が目印です。宮殿・議事堂・博物館・図書館・銀行など、「公共性」を帯びる建物によく採用されました。パッラーディオ以来の古典原理は、18〜19世紀に官庁・大学・裁判所の外観を形成し、都市の景観に「理性の顔」を与えます。庭園ではフランス式整形式庭園が、自然を理性で整える象徴となりました。
文学・演劇では、語法の純正、修辞の節度、ジャンルごとの規範が整備されます。フランス悲劇は「三一致の法則」にもとづき、高貴な人物が道徳的選択に直面する構図を、洗練されたアレクサンドラン（十二音節詩）で描きます。叙事詩・頌歌・牧歌・風刺なども、古典に倣った形式感を尊びました。散文では明晰な論理展開と節度ある機知が評価され、モラリストの省察（ラ・ロシュフコー、ラ・ブリュイエール）に古典的精神が宿ります。
音楽の「古典派」は、厳密には美術史の古典主義と時代や概念がずれますが、明快な形式（ソナタ形式、四楽章構成の交響曲）、均衡のとれた主題処理、対話的ポリフォニーの節度などに、古典的な「均整と透明」が表れます。ハイドンの弦楽四重奏、モーツァルトの協奏曲、初期ベートーヴェンの構成感は、その典型です。
教育や言語における古典主義は、模範文の暗誦、作文の規範、文法・レトリックの訓練を重視し、「良き趣味（ボン・グー）」と公共性を育てる理念を伴いました。これは市民の言語能力と公的討議を支える力にもなりました。
対抗潮流と限界――ロマン主義・バロック・前衛との緊張
古典主義は常に他の潮流と緊張関係にあります。まず、17世紀のバロックは、運動・陰影・複雑さ・感情の爆発で古典的節度に挑戦しました。古典主義はこれを「過度」と見なし、抑制と均整で応じます。19世紀のロマン主義は、個人の想像力・歴史の多様性・民族的感性を擁護し、古典主義の普遍主義と規範主義を相対化しました。ロマン派の詩人たちはしばしば三一致の法則を窮屈と批判し、観客の没入や個性の解放を求めました。
20世紀の前衛（フォーヴ、キュビスム、抽象、ダダ、シュルレアリスム）は、古典的再現や比例の枠を越えて、知覚の新しい秩序を探りました。にもかかわらず、多くの前衛が一時的に「古典」へ振り返り、構成と均衡を再学習する循環が見られます（ピカソの新古典期、ストラヴィンスキーの新古典主義など）。この往復運動は、古典主義が「リセットのための共通語」として機能することを物語ります。
限界としては、第一に〈規範の硬直化〉が挙げられます。アカデミズム化した古典主義は、創作の自由や周縁文化の表現を抑圧しがちです。第二に〈普遍の名の下の排除〉です。古典の「普遍」はしばしばヨーロッパ中心の基準を普遍化し、植民地期には権威の装置として用いられもしました。第三に〈情念の過少評価〉です。節度は美徳ですが、人間の複雑な感情や混沌を十分に受け止めきれない場合があります。これらの批判は、古典主義を否定するためというより、その適用を相対化し、開かれた規範として更新するための注意喚起です。
現代的意義――「普遍性の作法」をどう生かすか
現代社会においても、古典主義の知恵は生きています。公共建築や都市空間では、対称・軸線・比例が「わかりやすさ」と「信頼感」をもたらし、市民に開かれた場をつくります。デザインやタイポグラフィでは、ヒエラルキーと余白、グリッドと比例が可読性を支え、情報の混雑を整える道具になります。音楽教育では、フレーズの均衡と和声の文法が、他ジャンルへ越境するための基礎体力を養います。文学・演劇では、明晰な言語と節度ある構成が、対話と熟議の文化を育てます。
同時に、古典主義を固定化せず、他文化・他様式と対話させることが肝要です。たとえば、パッラーディオ的比例を地域素材や気候と折衷させる建築、古典的プロットに多声的視点を織り込む演劇、ソナタ形式をジャズ的即興と往復させる音楽など、〈規範×多様性〉の組み合わせが可能です。普遍の作法を持ちながら、誰のための普遍かを問い直す――それが、現代における「開かれた古典主義」です。
教育の現場では、古典主義を「正解の型」として押し付けるのではなく、「比較の基準」として活用する姿勢が望まれます。古典の均整を知ったうえで、バロックの奔流やロマンの情念、前衛の解体を経験することで、表現の地図が立体化します。規範をもつことは、破るときにもより深い自由を得ることにつながります。
総じて、古典主義は、歴史を通じて繰り返し「秩序の言語」を提供してきた文化の核です。そこにあるのは、単なる古代趣味ではなく、公共に開かれた感性と、理性への信頼です。限界を意識しつつも、その均整と明晰は、雑多で加速する現代の表現世界を整える基準として、今なお力を持ち続けています。古典主義を学ぶことは、世界の多様な美を測るための物差しを一つ手に入れることに等しいのです。
